전설적인 그래픽 디자이너의 규칙과 7 가지 교훈

기업가, 디자이너 및 사상가는 항상 혁신적인 아이디어를 창출하기 위해 영감을 사용할 수 있습니다. 그래픽 디자이너로서, 나는 종종 내 분야의 개척자들에게 창의적인 문제 해결에 대한 아이디어를 찾고 있습니다. 이러한 각 수치는 디자인뿐만 아니라 새로운 방법, 제품 또는 경험을 작업하는 모든 사람에게 적용될 수있는 혁신에서도 중요한 교훈을 제공합니다. 다음은 이러한 아이콘으로 새로운 것을 만들도록 영감을주는 몇 가지 방법입니다.

1. 소홀한 영역에 집중하십시오. – 사울베이스

Saul Bass 이전에는 영화 제목이 중요하지 않은 것으로 간주되어 극장 커튼이 끝날 때까지 옆으로 치워지지 않았습니다. 1955 년 오토 프레밍 어의 ' The Man with the Golden Arm '이베이스의 최소 애니메이션 타이틀 시퀀스를 특징으로하여 출시되었을 때 영사 론자들은 실제로 크레딧이 시작되기 전에 커튼을 열도록 지시 받았다.

그는 영화의 별을 밝히기보다는 영화의 의미를 나타내는 상징적 인 이미지를 개발할 것입니다. 헤로인에 중독 된 카드 딜러로 Frank Sinatra가 주연을 맡은 The Golden Golden을 가진 The Man의 경우, 놋쇠 점수가 재생되는 동안 추상 종이 컷 아웃이 다른 각도로 화면에 들어갑니다. 결국, 컷 아웃은 필름의 주요 상징 인 왜곡 된 팔로 바뀝니다. 타이틀 시퀀스는 처음으로 분위기를 조성하고 영화의 일부가되었습니다. 베이스는 나중에 노스 웨스트 와 굿 펠라 스의 사이코, 버티고, 노스의 클래식 타이틀을 디자인했다.

Bass는 또한 화면 제목부터 포스터, 광고에 이르기까지 포괄적이고 일관된 자료 모음을 만들어 영화 제작 방식을 변경했습니다. 그는 Continental Airlines, AT & T 및 Warner Communications의 기업 아이덴티티 작업에도 동일한 상징적 시각적 접근 방식을 도입했으며 현재 일부는 여전히 사용되고 있습니다.

2. 규칙을 어기십시오. – Filippo Tommaso Marinetti

이탈리아 미래파 설립자 Filippo Tommaso Marinetti는 시인으로 더 잘 알려져 있지만 타이포그래피의 모든 규칙을 어기면서이 문학적 예술에 새로운 표현을 제시했습니다. 1909 년에 출판 된 그의 "미래 주의자 선언"은 예술, 시, 디자인의 혁명을 요구했습니다. 그는 전통적 수단의 철거를 촉구하고 예술가들에게 선진국의 속도, 기계적 과정 및 폭력을 수용하도록 촉구했다.

그는 1914 년 첫 책인 장 툼 툼 (Jang Tumb Tumb )을 출판했다. 1912 년 발칸 전쟁 당시의 경험을 바탕으로이 제목은 총기류, 수류탄 및 기타 무기의 기계화 된 소리를 그래픽으로 표현한 것이다. 그는 "자유의 단어"에 대한 그의 실험 중 하나 였는데, 그는 형용사 나 동사가없는 명사 만 사용하여 기존의 선형 쓰기에서 벗어났습니다. 그는 전통적인 타이포그래피를 무시하고 다양한 크기와 각도의 서체를 사용하여 표지를 디자인하고 페이지를 뒤섞 었습니다. 그는 표현 타이포그래피를 개척하여 그림의 질을 높였습니다. 그의 말 은 그들이 들었던 대로 보였다 . 그래픽 디자인은 여전히 ​​그의 깊은 영향을 반영합니다.

3. 인내 . – Cipe Pineles

오늘날 여성들은 그래픽 디자인 직업의 절반 정도를 구성합니다. 그러나 1930 년대에 Cipe Pineles가 첫 번째 디자인 작업을 찾고 있었을 때, 예상 고용주는 그녀의 포트폴리오에 관심이있었습니다.

그녀는 계속 노력했지만 결국 1932 년 콩데 나 스트 (Condé Nast)의 아트 디렉터 인 Mehemed Fehmy Agha의 조수가되어 향후 15 년간 그 역할을 확장했습니다. 그녀는 1942 년 글래머 에서 아트 디렉터가되었으며, 미국 주요 잡지에서 그 위치를 차지한 최초의 여성이었습니다. 그녀는 Seventeen 으로 이사했고 1950 년 Pineles는 새로운 인구 통계 : 일하는 여성을 대상으로하는 잡지 Charm의 아트 디렉터가되었습니다. 그녀는 직장, 통근 및 심부름시 사용중인 옷을 보여주는 패션 스프레드를 디자인했습니다. 그녀는“우리는 피곤한 거짓 진부한 진부한 말을 사용하지 않고 그 prosaic을 매력적으로 만들려고 노력했다. "당신은 결코 본 적이없는 땅의 번쩍임과는 대조적으로 현실의 매력을 전하려했다고 말할 것입니다."그녀의 작업은 여성 잡지의 외형을 재정의하는 동시에 사회에서 여성의 변화하는 역할을 발전시키는 데 도움이되었습니다.

Pineles는 또한 뉴욕 아트 디렉터 클럽에 처음으로 선출 된 여성이자 명예의 전당에 선출 된 최초의 여성이었습니다. Cipe Pineles는 많은 경력을 쌓은 동안 그녀의 작품을 이끌었고 모범을 보였습니다. 그녀는 결코 포기하지 않았다.

4. 협력하십시오. – Ladislav Sutnar

체코 디자이너 Ladislav Sutnar는 1939 년 뉴욕으로 이주한 후 곧 작가 / 건축가 인 Knud Lönberg-Holm을 만나 비즈니스 정보를 디자인하는 새로운 방법을 개발하는 파트너가되었습니다.

그들은 함께 협력하여 Sweet 's Catalog Service를 개선하여 건설 업계의 여러 제조업체의 카탈로그를 편집했습니다. 사람들이 다른 방식으로 제품을 찾는다는 것을 인식하고 회사, 무역 및 제품 이름별로 각 항목을 상호 참조하는 시스템을 개발했습니다. Sutnar는 독자를 안내하기 위해 색상, 모양, 차트 및 그래픽 기호를 사용하여 방대한 양의 정보를 명확하게 설명했습니다. 그는 규모와 무게를 바꾸고 색상을 바꾸고 이탤릭체와 괄호를 사용하여 유형을 강조함으로써 계층 구조를 설정하여 스키밍, 읽기 및 기억을 쉽게했습니다. (그는 또한 전화 번호 지역 코드를 괄호 안에 넣는 표준 프로토콜을 설정했습니다.) 그의 디자인은 시각적으로 재미 있었을뿐만 아니라 도움이되었습니다.

디자이너를 안내하기 위해 3 권의 책을 공동 작업 한 Sutnar와 Lönberg-Holm은 직접 의사 소통하는 시각적 언어를 개발하는 데 일했습니다. 차트, 그래프 및 이미지가 단순화 된 정보로 바쁜 사람들이 시간을 절약 할 수 있습니다. 복잡한 정보를 통해 독자를지도하는 방식은 현재 우리가 정보 디자인 또는 정보 아키텍처라고 부르는 것과 비슷합니다. 이는 Edward Tufte와 Richard Saul Wurman은 물론 디지털 및 웹 디자이너가 더 발전시킨 것입니다. Sutnar 나 Lönberg-Holm은이 모든 것을 스스로 달성 할 수 없었습니다. 각각은 상대방의 전문 지식으로부터 이익을 얻었습니다.

5. 역사를 이해하십시오. – 밀턴 글레이저

밀턴 글레이저는 1951 년 쿠퍼 연합에서 졸업 한 후 풀 브라이트 장학금을 통해 이탈리아로 갔다. 당시의 모더니즘은 디자인의 일반적인 스타일이었습니다. 화가 조르지오 모란 디 (Giorgio Morandi)에서 공부하면서 디자인에 대한 글레이저의 견해를 바 꾸었습니다. 그는 과거를 존중하고 실제로 바우 하우스 이전 에 온 아이디어와 운동에서 영감을 얻는 법을 배웠습니다. 글레이저는 모더니즘에 반대하는 것이 없었다. 그는 단지 혁신과 표현을위한 길을 가고 있다고 느꼈습니다. 대신, 그는 역사적 스타일, 장식 및 복잡성을 받아 들였습니다.

1966 년 Glaser는 Bob Dylan의 Greatest Hits 앨범에 포함 된 포스터를 디자인했습니다. Marcel Duchamp 자화상에서 영감을 얻은 가수 / 작곡가 프로필의 간단한 실루엣은 무지개의 컬, 아르누보 영향, 그리고 사용자 정의 서체. 이 앨범은 수백만 장의 사본을 판매하여 역사상 가장 널리 보급 된 포스터 중 하나가되었습니다 (딜런 자신은 절대 좋아하지는 않았지만).

Glaser의 많은 장점 중 하나는 그의 다재다능 함입니다. 그는 1968 년 기자 클레이 펠커 (Clay Felker)와 함께 뉴욕 잡지를 창립하여 9 년간 예술을 감독했습니다. 그것은 전국의 도시 잡지를위한 청사진이되었습니다. Glaser는 또한 유비쿼터스“I Love NY”로고를 디자인했습니다. 음식에 대한 그의 사랑은 식당과 슈퍼마켓을위한 그래픽 및 인테리어 디자인 프로젝트로 이어졌으며, 그의 가르침과 글쓰기는이 분야에 크게 기여했습니다. 그는 오늘도 일하고 ​​있으며 최근에는 TV 쇼 Mad Men 에 대한 광고 캠페인을 위해 1960 년대의 트립 피를 다시 방문하고 있습니다.

6. 새로운 기술을 받아들입니다. – Rudy Vanderlans와 Zuzana Licko

애플은 1984 년 매킨토시 컴퓨터를 출시하면서 새로운 지평을 열었습니다. 디자이너 Rudy VanderLans와 Zuzana Licko는 Emigre 매거진과 동일한 작업을 수행했습니다. VanderLans와 Licko는 처음에는 컴퓨터를 거부했지만 다른 방식과 보완적인 방식으로 컴퓨터를 받아 들였습니다. VanderLans는 레이아웃 디자인에있어 자유를 좋아했으며 Licko는 유형을 디자인 할 수있는 훈련 된 방법을 제공했습니다.

7. 기어를 전환하십시오. – 뮤리엘 쿠퍼

Muriel Cooper는 두 가지 디자인 경력을 가지고있었습니다. 첫 번째는 인쇄 디자이너 였고 두 번째는 획기적인 디지털 디자이너였습니다. 1952 년부터 MIT 출판부에서 근무했으며 결국 MIT Press의 아트 디렉터가되었습니다. 그녀는 많은 고전 서적과 출판사의 상징적 인 로고를 디자인했습니다.

Cooper는 1967 년 MIT에서 첫 컴퓨터 수업을 듣게되었고 그녀는 어리둥절했습니다. 그러나 그녀는 창조적 인 과정에서 컴퓨터의 잠재력을 발견하고 곧 그녀의 경력의 두 번째 단계 인 컴퓨터 화면에 디자인 기술을 적용하기 시작했습니다. Ron MacNeil과 함께 Cooper Mac은 1975 년 연구 그룹 Visible Language Workshop을 공동 창립했습니다. MIT 미디어 랩의 일부입니다. 그녀는 학생들에게 잘 설계된 정보를 제시하기 위해 기술을 사용하도록 권장했습니다.

Cooper는 1994 년 영향력있는 TED5 (Technology, Entertainment, Design) 컨퍼런스에서 그룹의 연구를 발표했습니다. 처음으로 컴퓨터 그래픽은 표준 Windows 인터페이스 대신 이동, 크기 변경 및 초점 이동의 3 가지 투명 치수로 표시되었습니다. 카드처럼 쌓인 불투명 패널. 그녀는 큰 영향을 미쳤습니다. Microsoft 창업자 Bill Gates조차도 자신의 작업에 관심이있었습니다. 불행하게도, 그녀는 얼마 지나지 않아 갑자기 죽었지 만, 대화식 디자인의 유산은 계속됩니다.

8. 세상을 더 인간적으로 만드십시오. – 존 마에다

Kleiner Perkins Caufield & Byers의 디자인 파트너 인 John Maeda는 MIT에서 컴퓨터 공학 대학원생으로 사용자 인터페이스 디자이너가되었습니다. 그런 다음 Paul Rand의 디자인 에 대한 생각 을 읽었습니다. 컴퓨터를 이해한다고해서 반드시 좋은 디자이너가되는 것은 아니라는 사실을 알게되었습니다. 그는 그래픽 디자인을 공부하도록 동기를 부여했으며, 컴퓨터에 대한 지식에 전통적인 디자인 기술과 개념을 추가했습니다.

Maeda는 MIT로 돌아와 Media Lab에서 Aesthetics and Computation Group을 설립하고 설립했습니다. Maeda는 디자인과 기술이 만나는 영역을 탐험했습니다. Maeda의 경우 컴퓨터는 도구 이며 매체입니다. Maeda는 Media Lab을 통해 소리에 반응하는 형태의 반응 형 사각형 및 시간 기반 비행 색상 프로그램 인 Time Paint와 같은 디지털 경험을 만들었습니다. 그의 Design by Numbers 프로젝트는 디자이너와 아티스트가 컴퓨터 프로그래밍을 배우도록 장려했습니다.

2008–2013 년로드 아일랜드 디자인 스쿨의 회장 인 Maeda는 창의적 사고가 미래의 리더를 육성하는 데있어 기술적 인 능력만큼 중요하다고 생각합니다. 전국 교육 시스템에서 과학, 기술, 공학 및 수학 (STEM)을 강조하기 위해 Maeda는 STEAM을 만들기 위해 A for Art를 추가 할 것을 제안합니다. 그의 목표는? 세상을 더 첨단 기술로 만들지 말고 더 인간적으로 만드십시오.